Historia de la música electrónica

Historia de los instrumentos electrónicos.

El primer instrumento electrónico de la historia fue inventado y construido por el teólogo checo Václav Prokop Diviš (1698 - 1765) en su parroquia en Moravian ciudad Přímětice cerca Znojmo en el sureste de lo que hoy es República checa. Él era también un pionero de la investigación en electricidad, siendo el más famoso por inventar pararrayos en Europa, contemporáneamente pero independientemente de Benjamin Franklin.



Su pasión para la música fue coronada por la construcción absolutamente de un extraordinario instrumento musical que nombró el “d'or de Denis”.
La mención más temprana escrita del d'or de Denis fecha de 1753, pero es probable que exista ya alrededor de 1748. Algunas fuentes incluso fechan su existencia desde el año 1730, pero esta información es históricamente improblable y no apoyada por cualquier información disponible sobre la biografía y el trabajo de Diviš. Desafortunadamente, después de que la muerte de Diviš en 1765 el único instrumento fue vendido en Viena, donde pronto desapareció sin rastro. Es más , los documentos que sobreviviven sobre el d'or de Denis son cortos y muy pocos, así que nuestra imagen de ella debe seguir siendo algo fragmentaria. Por lo menos algunos hechos se saben, sin embargo, y éstos pueden ser resumidos:
El d'or de Denis tenía 14 registros, la mayor parte de ellos eran dobles, y su mecanismo complejo cabe en un gabinete de madera simétrico equipado de un teclado y de un pedal. Tenía cerca de 150 centímetros de largo (5 pies), 90 centímetros de ancho (3 pies), y 120 centímetros de alto (4 pies). Básicamente, era un cordofono no desemejante al clavicordio. El mecanismo ingenioso, que había sido resuelto por Diviš con exactitud matemática cuidadosa, era tal que el d'or de Denis podría imitar los sonidos de una variedad entera de otros instrumentos, incluyendo cordofonos por ejemplo clavicordios, arpas y laúdes, e iguales instrumentoes de viento. Pero la característica más especial era que Diviš (temporalmente) cargó las cuerdas del hierro con electricidad para que la calidad de sonido pudiera ser realzada - “purificado. Esto era una novedad absoluta en ese entonces. Además, él instaló un truco levemente sádico de modo que en cualquier momento que el deseara, al jugador podía darle una descarga eléctrica.
Diviš fue la primera persona para fomentar la idea de una conexión estética entre la música y la electricidad. Antes de él nadie había detectado el potencial estético de efectos electro-acousticos. Frente a la investigación eléctrica todavía que está en su infancia temprana en medio del siglo 18 , esta idea revolucionaria entonces podría, por supuesto, sólo ser observado técnicamente por Diviš de la manera más primitiva. Pero, sin embargo, esas circunstancias históricas no pueden negar el hecho de que el d'or de Denis se puede mirar como el antepasado de todos electrofonos, por lo menos desde el punto de vista idealista.
De hecho, cuando el teólogo alemán Johann Ludwig Fricker (1729-1766) visitó Diviš en 1753 y vio el d'or de Denis con sus propios ojos, él se refirió en un diario de la universidad de Tübingen, como instrumento “de Electrisch-Musicalische ”, la traducción literal de eso sería: “Instrumento Musical Eléctrico”.



1759 - El Clavecine Électrique o el Electric Clave

Es uno de los primeros instrumentos electrónicos documentado. Fue inventado por Jean-Baptiste de Laborde y fabricado por Abbe de Laborde (su hermano, supongo) en Paris, Francia. En esos años ya había prototipos de forte piano (precursor del Piano), y se usaban todavía la espineta y el clavicordio; era la época del periodo tardío Barroco y el apogeo del Clasicismo Vienes.
El instrumento se basa en principios sencillos electrostáticos y se dice que ha sido un teclado controlado electro-mecánicamente más que un "sintetizador".
Era una especie de clavicordio, en el cual se cargaban (por un mecanismo) de electricidad estática las teclas y los badajos para que hicieran sonar unas campanas.
Se cree que el Clavecine Électrique producía los sonidos electrónicamente por vibración de unas púas metálicas y de campanas y badajos.




1761: PANHARMONICON


O Panarmonico, haciendo referencia al dios Pan, el "creador" del Syrinx o la Flauta de Pan. Fue inventado por Johann Nepomuk Malzel, quien también creo el Metrónomo. Era una especie de teclado mecánico o más bien, una orquesta militar mecánica que automatizaba los sonidos de flautas, clarinetes, trompetas, violines, cellos, percusión, cémbalos, entre otros (el primer prototipo de mellotron o maquina de sampleo quizás?). Se menciona que su inventor convenció de cierta manera a Beethoven para que compusiera algo para dicho instrumento, llegando este a componer una sonata llamada "La Victoria de Wellington" y empezar a escribir una sinfonía llamada "La Batalla de Victoria", pero por diferencias con Johann, las descarto completamente. Me imagino como hubiera sonado una sinfonía con este instrumento!


1796: THE MUSIC BOX
Su inventor fue el relojero suizo Antoine Favre. Es la típica caja musical que se abre y suena una melodía tipo blin, tlac, blic, tlac, pues, es eso justamente, solo que la caja musical de Favre poseía unos 15 cilindros, de los cuales salían tres diferentes melodías con una combinación de 72 tonos!!. El grupo alemán Kraftwerk en sus primeros discos usaron una especie de Music Box.

1800 - TELEGRAFO, THE DIFFERENCE ENGINE, Resonador de Helmholtz , El Telégrafo musical, El Telharmonium, y OTROS...

1832: TELEGRAFO
Su inventor fue el hiperconocido, Samuel Morse, el mismo del Código Morse. El Telégrafo básicamente permitía que los pulsos rítmicos viajaran o se pudieran transmitir a grandes distancias; obviamente esos pulsos ritmicos no eran musicales por sí mismos, sino propios del famoso codigo del inventor. En la intro de la pieza de Rush "Yyz" podemos escuchar un ejemplo de código Morse, creo que es el código de un aeropuerto de Canadá y son las siglas y, y, z. En código Morse seria algo así: "--. --




1833-34: THE DIFFERENCE ENGINE
O Motor Diferenciado (método de diferenciación).

Su inventor fue un científico británico de nombre Charles Babbage. Su invento era una especie de maquina para trabajar con tablas matemáticas libres de error; se puede decir que fue la primera sumadora automatica digital programable por ende, precursora de las maquinas de sampling (v.g.CMI Farlight), sintes digitales, secuenciadores, etc.



1859: TELEGRAFO-PIANO
Se trata de una especie de telégrafo que utilizaba para su funcionamiento un teclado muy parecido al del piano, de esa forma su mecanismo de pulsos rítmicos funcionaba mejor. Su inventor fue David E. Hughes.


Resonador de Helmholtz - Hermann Ludwig Ferdinand von Helmholtz.

Los orígenes de la música electrónica se pueden remontar al trabajo analítico de Hermann Ludwig Ferdinand von Helmholtz (1821-1894) físico y matemático alemán, autor de la obra "DEL TONO: Base psicológica para la teoría de la música "(1860). Helmholtz construyó un instrumento electrónicamente controlado para analizar combinaciones de tonos, el "resonador de Helmholtz", con los dientes del metal electromagnético que vibraban y las esferas de resonancia del cristal o del metal, la máquina se utilizaba para analizar los tonos constitutivos que crean sonidos naturales complejos. Helmholtz se centró solamente en el análisis científico del sonido y no tenía ningún interés en usos musicales directos, las ideas musicales teóricas fueron proporcionadas por el compositor italiano

1867: PIANO ELECTROMECANICO
O también llamado Piano Electromagnético.
Fue desarrollado por un individuo de apellido Hipp, quien fue director de una fabrica telegráfica suiza. Este invento se trataba de un teclado tipo piano que activaba una serie de mecanismos electromagnéticos y que a su vez activaban unos dinamos (pequeños generadores eléctricos) para de esa forma generar tonos y producir sonidos.


Elisha Gray y "El Telégrafo musical" (1876)

Elisha Gray (Barnesville, Ohio, 1835 - Newtonville, Massachusetts, 1901) habría sido conocido por todo el mundo como el inventor del teléfono si Alexander Graham Bell no hubiera llegado una hora antes a la oficina de patentes. En su lugar, entró en la historia como el creador accidental de uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos, el telégrafo musical.


Elisha Gray
Gray descubrió que podría controlar el sonido que vibraba en el circuito electromagnético y al intentarlo inventó accidentalmente un oscilador básico. El "telégrafo musical" utilizaba cañas de acero para que las oscilaciones fueran creadas y transmitidas sobre una línea telefónica a través de los electroimanes. Gray también construyó un dispositivo simple de altavoz en sus últimos modelos, que consistía en un diafragma que vibraba en un campo magnético para hacer el oscilador audible.
Después de muchos años de pleito, A. G. Bell fue nombrado legalmente el inventor del teléfono, y en 1872 Gray fundó la Western Electric Manufacturing Company, firma padre de los actuales Western Electric Company. Dos años más tarde se retiró para continuar la investigación independiente y enseñar sus conocimientos en la universidad de Oberlin.




"Dynamophone/Telharmonium"
De Thaddeus Cahill (1897)

El "Telharmonium" o "Dynamophone",
ideado por Thaddeus Cahill, puede considerarse el primer instrumento
musical electrónico significativo. El primer modelo completamente terminado
fue presentado al público en 1906 en Holyoke.

El Telharmonium era esencialmente una grupo de 145 dinamos modificados que empleaban un número de ejes especialmente engranados y de inductores asociados
para producir las corrientes alternas de diversas frecuencias de audio. Estas
señales estaban controladas por un sistema múltiple de teclados sensibles
polifónicos y por bancos asociados de controles.
(Thadeus Cahill)


En los primeros modelos, el sonido que resultaba era audible a través
de los cuernos acústicos del piano. Los últimos modelos fueron conectados
directamente a la red de teléfono (era la única manera de amplificar el sonido
en la era del preamplificador). El Telharmonium suministró de 1 amperio
a cada receptor del teléfono. Podía oirse la música sin el receptor del teléfono
al oído, sin embargo esto también enmascaraba e interrumpía cualquier otra
señal en la línea. El instrumento se tocaba a cuatro manos y reproducía generalmente
la música "respetable" de la época: Bach, Chopin, Grieg, Rossinni,
etc.
(Telharmonium)


El Telharmonium era una estructura inmensa de aproximadamente
200 toneladas de peso y 60 pies de largo. El monstruoso instrumento ocupó
un piso entero en la calle 39 de Broadway, Nueva York, durante 20 años.

A pesar de las excesivas proporciones del Telharmonium, el sonido que
producía era flexible e inusualmente, el instrumento era transportable (se
utilizaron 30 vagones de ferrocarril para transportarlo desde Holyoke a Nueva
York). Era un instrumento musicalmente avanzado a su época pero muy impopular
entre los músicos, que tenían poco tiempo para practicar en un teclado tan
inusual. Este factor ayudó a que el instrumento acabara muriendo.


Cahill terminó el tercer y último Telharmonium en
marzo de 1911. Esta máquina era incluso más grande y más
costosa que su predecesora. El tercer Telharmonium tenía un
sistema entero de los alternadores reajustados (de mayor alcance que los anteriores),
imanes más fuertes para reducir el retumbo, y controles de volumen
bajos. El instrumento fue instalado en el número 535 de la calle 56
de Nueva York.


Cahill y la "Nueva Inglaterra Electric Music Company"
financiaron un plan para transmitir el Thelarmonium que usaba el
Dynamophone a los hoteles, restaurantes, teatros y hogares a través
de la red de teléfono. Esta búsqueda del visionario falló
cuando los gastos de establecimiento llegaron a ser prohibitivos y fue descubierto
que la máquina interfería seriamente con llamadas telefónicas
locales. El último Telharmonium funcionó hasta 1916 y
sobrevivió al desplome de Wall Street y a la Primera Guerra Mundial,
pero murió con el "boom" de la radiodifusión. A pesar
de su muerte, el Telharmonium impulsó el nacimiento de la música
electrónica. El compositor italiano Ferruccio Busoni inspirado
por la máquina escribió su "Bosquejo de una nueva estética
de la música" (1907) que se convirtió en la llamada
y la inspiración para la nueva generación de compositores electrónicos
tales como Edgard Varèse y Luigi Rusolo.



Guillermo Du Bois Duddell y "cantar Arc"(1899)
Antes de que Thomas Alva Edison inventara la iluminación eléctrica de calle, la iluminación con arco de carbón se extendía por toda Europa. El problema con este método de iluminación, aparte de la matidez de la luz y del uso insuficiente de la electricidad, era el ruido constante del tarareo del arco. Designaron al físico británico Guillermo Duddell para solucionar el problema en Londres en 1899 y durante sus experimentos encontró que variando el voltaje provisto a las lámparas se podían crear frecuencias audibles controlables.





Lámpara de arco de carbón
Uniendo un teclado a las lámparas de arco Duddell creó el primer instrumento electrónico que era audible sin usar el sistema de teléfono como amplificador/altavoz.
Duddell viajó por el país con su invención que desafortunadamente nunca se convirtió en más que una novedad. Las capacidades audio de la lámpara de arco de carbón también fueron utilizadas por Thadeus Cahill durante sus demostraciones públicas de su Telharmonium diez años más tarde.

1900 - Choralcello , Luigi Russolo y Ugo Piatti (intonarumori), Audión piano, The optophonic piano, El Theremin, y OTROS...

Organo eléctrico de Choralcello (1888-1908)

El Choralcello ("voces divinas") era un instrumento
electrónico y electro-acústico híbrido. El Choralcello fue diseñado
y desarrollado por Melvin Severy con la ayuda de su hermanastro George
B. Sinclair. La máquina fue fabricada en Boston como órgano casero y fue
presentado al público en 1909. Por lo menos seis de los instrumentos fueron
vendidos y continuaron siendo utilizados hasta los años 50.

Choralcello
El Choralcello era un contemporáneo directo del Telharmonium; aunque no era tan grande,
seguía siendo un instrumento enorme que usaba una sistema electromagnético
similar al del sonido de la rueda del tono del Telaharmonium. El Choralcello
consistía en dos teclados, el superior (del piano) que tenía 64 llaves
y el inferior con 88 (piano y órgano), controlando (en modelos más últimos)
88 ruedas del tono y un sistema de las secuencias del piano que vibraban gracias
a unos electroimanes y un sistema de martillos. Los teclados también tenían
un sistema de paradas al estilo del órgano para controlar el timbre y tono.

El Choralcello también incorporó un mecanismo de rodillo de papel al
estilo del de la pianola y un sistema de tablero de pedal de 32 notas. La
máquina entera podía ocupar dos sótanos de una casa; los teclados y los altavoces
eran las únicas piezas visibles del instrumento.

“La vida de antaño se basaba en el silencio. En el siglo 19 con la invención de la maquinaria, el ruido había nacido. Hoy, el ruido reina y triunfa supremo sobre las sensibilidades del hombre.”
Luigi Russolo, 1913

En el “arte de los ruidos” de 1913, Russolo describió el pasaje a través de la historia desde el silencio al sonido y del ruido-sonido al ruido musical. Argumentó que el número limitado de instrumentos musicales conocidos no podía seguir satisfaciendo la moderna sed acústica del hombre.
"crucemos una capital moderna con los oídos más abiertos y alerta que los ojos y disfrutaremos al distinguir las corrientes de agua, aire y gas a través de tuberías de metal, los ruidos emergentes que respirar y palpitan llenos de una vida indiscutible, la palpitación de las ondas, el ir y venir de los pistones, el chirrido de las sierras mecánicas, los cambios violentos de los tranvías en los raíles, el chasquido de los látigos, el ondear de las cortinas y las banderas. Nosotros disfrutamos creando orquestaciones mentales golpeando los cierres metálicos de las tiendas, pegando portazos, los gritos y voceríos de las multitudes, la variedad de din en las estaciones, los raíles de los trenes, las
fundiciones de acero, spinning mills, imprentas, centrales eléctricas y los raíles subterráneos del metro"


Luigi Russolo y Ugo Piatti entre entonarruidos

Los intentos de Russolo de llevar las teorías Futuristas sobre la música a la práctica trajeron algunos de los más extraordinarios experimentos musicales en la Europa de antes de la guerra: los “entonarruidos” o "intonarumori"
Ninguno parece haber sobrevivido, pero existen algunas fotografías. Las máquinas individuales eran cómicamente básicas de aspecto: cajas sólidas de diferentes tamaños, y en el interior de cada una de ellas una bocina alargada de metal. Russolo y su ayudante Piatti trabajaron en el perfeccionamiento de estas máquinas para su primer concierto en 1914.
Marinetti, el poeta futurista italiano describió la experiencia de enseñar los “entonarruidos” al público incrédulo como "enseñar el primer motor de vapor a un rebaño de vacas"

En 1914 Russolo y Marinetti dieron 12 actuaciones del "Intonarumori" en el London Colliseum, las actuaciones fueron, aparentemente, cálidamente recibidas con aplausos y Marinetti comentó que 30,000 personas habían sido testigos de la música del futuro.
Los heroicos días de las máquinas de ruidos terminaron tras las Primera Guerra Mundial. Russolo sufrió serias heridas en la cabeza durante la guerra y tras una larga convalecencia dejó Italia y se marchó a París donde llevó a cabo posteriores elaboraciones en las Máquinas de Ruidos. Sus conciertos durante los años 20 en la ciudad siguieron causando una gran controversia pero también impresionó a algunos nuevos compositores como Milhaud, Ravel, Honegger y al futuro profeta del arte avanzado Edgard Varèse.
(Russolo junto a dos Rumorarmonios, 1928)

Versiones posteriores de las Máquinas de Ruidos Rumorarmonio" o "noise Harmonium" y el "Russolo-Phone" que combinaba algunas máquinas de ruidos con un teclado rudimentario. Todo esto fue presentado al público parisino en 1929 por Varèse quien planeaba hacer una producción masiva de dichos instrumentos. Desafortunadamente los planes no llegaron a realizarse y Russolo se volcó más hacia la pintura y la filosofía. Ninguna de estas máquinas parece que hayan sobrevivido a la Segunda Guerra Mundial.

"El Audión piano" de Lee De Forest
Lee De Forest inventó la válvula electrónica de triodo o "la válvula audión" en 1906, un desarrollo mucho más sensible que la válvula de diodo de John A. Fleming. El uso inmediato de la válvula del triodo de De Forest estaba en la tecnología de radio de la cual De Forest era un tenaz promotor. De Forest también descubrió que la válvula era capaz de crear frecuencias de audio usando la técnica de la frecuencia heterodyning/beat (combinar dos señales de alta frecuencia para crear una frecuencia compuesta más baja dentro de la gama audible).


"El Audión piano" (1915) de De Forest fue el primer instrumento del tubo de vacío. Era un instrumento simple de teclado, pero era el primero en utilizar el sistema heterodyning. De Forest utilizó una sola válvula de triodo por octava que estaban controladas por un sistema de llaves. La salida del instrumento era enviada a un sistema de altavoces que se podían colocar alrededor de un cuarto para dar al sonido un efecto dimensional. De Forest planeó una versión más avanzada del instrumento con válvulas separadas por llaves permitiendo la polifonía.




1916: The optophonic piano:
La inventiva en el desarrollo de novedosos sistemas de sonido para pianos ha llevado hacia el año 1916 al diseñador y pintor ruso Vladimir Rossine a construir este curioso sistema pianístico el cual era utilizado e interpretado por el mismo durante sus exposiciones pictóricas en la misma Rusia o en Europa, pues luego de 1925 emigro hacia Francia..
Posteriormente, debido al atractivo que genero este piano ortofónico, brindo junto con su esposa dos únicos conciertos en los teatros Bolchoi y Meyerhold de la Union Soviética.

El modo de funcionamiento era bastante novedoso para la época pues al pulsar sus teclas no solamente se generaban sonidos sino que se proyectaba en alguna pared circundante elegida previamente algunos patrones artísticos realizados con luces que provenían del complejo sistema inmerso dentro del piano.
Cada tecla comandaba no solamente la acción del sonido sino que, a través de varios sistemas de discos, luces y filtros de su inventiva, lograba combinarlos para generar los mas variados patrones lumínicos. De esta manera lograba que las exposiciones de sus obras de pintura contaran con un agregado inédito hasta ese momento en la historia del arte: la generación de patrones artísticos y lumínicos generados por un instrumento musical creado por el mismo artista el cual era también interpretado por el mismo durante gran parte de la exposición.


El theremin (théremin o théreminvox - 1919 - Lev Serguéievich Termen),

Llamado eterófono en su versión primitiva, es uno de los primeros instrumentos musicales electrónicos. Inventado en 1919 por el físico y músico ruso Lev Serguéievich Termen (quien luego afrancesó su nombre a León Thérémin).


El diseño clásico consiste en una caja con dos antenas. Se ejecuta acercando y alejando la mano de cada una de las antenas correspondientes, sin llegar a tocarlas. La antena derecha suele ser recta y en vertical, y sirve para controlar la frecuencia o tono: cuanto más cerca esté la mano derecha de la misma, más agudo será el sonido producido. La antena izquierda es horizontal y con forma de bucle, y sirve para controlar el volumen: cuanto más cerca de la misma esté la mano izquierda, más baja el volumen, y viceversa.

Originalmente, su versión más primitiva fue llamada Aetherophone (que se podría traducir como Eterófono), y constaba sólo de la antena de tono. Dicho diseño fue tempranamente mejorado por el inventor, añadiendo posteriormente la antena para controlar el volumen tal y como hemos descrito. Actualmente, algunos de los modelos caseros y comercializados de Theremin disponen tan sólo de la antena que controla el tono, lo cual siendo rigurosos les convierte en realidad en un "Eterófono", y su uso frecuentemente es el de un aparato para efectos especiales más que un instrumento musical, al no poder acentuar ni separar las notas producidas.

También se han llegado a producir theremines de forma más o menos artesanal con formas de interactuar muy distintas, como por ejemplo, theremines ópticos que miden la cantidad de luz que les llega a un sensor. También la empresa Roland comercializa en algunos de sus módulos un sensor de infrarrojos llamado D-Beam, con el cual se puede controlar no sólo el tono, sino alternativamente el parámetro que se elija.




Implementación técnica

Los theremines originales estaban fabricados con las entonces novedosas, válvulas de vacío, que presentaban problemas de mantenimiento y estabilidad térmica, además de necesitar altos voltajes para su funcionamiento, que, aunque no son un peligro para el ejecutante, si lo son para un intento de mantenimiento por inexpertos.

Actualmente existen multitud de firmas que comercializan versiones transistorizadas de theremines, los cuales son más robustos y adecuados para el transporte, de mucho menor consumo eléctrico y mucho más estables.

Su sonido

Originalmente, el timbre de los theremines se asemejaba a algo entre un violoncello y una voz humana. Su inventor, además de físico, era cellista. En la actualidad existen incluso modelos que participan de la tecnología midi, lo cual les posibilita tener, virtualmente, cualquier timbre que se desee utilizando un sampler o muestreador, pero dicho efecto raramente produce sonidos creíbles, al no estar pensado el diseño originario en ese sentido.



Su aplicación

Muy usado en las películas de serie B de Hollywood de las décadas de 1940 y 1950, para ambientar, a base de un uso efectista, películas de ciencia ficción y terror en la era anterior al sintetizador. Su uso original era bien distinto: la tereminista y violinista Clara Rockmore utilizó un repertorio romántico clásico, y le dio al theremin credibilidad como instrumento solista en un entorno orquestal.

El uso del theremin más conocido en una película clásica quizá sea en The Day the Earth Stood Still (1951) de Robert Wise. En este film el compositor Bernard Herrmann utiliza dos theremines en la paleta orquestal. El uso de ambos servía para dar un aire futurista y para enfatizar la amenaza procedente del espacio exterior, que se manifestaba en su más amplia resonancia en el hierático personaje del gigantesco robot Gort.

El compositor Miklós Rózsa también hizo uso frecuente de este primitivo sintetizador para expresar la inestabilidad emocional de sus protagonistas en filmes de cine negro en la década de 1940. Así en Spellbound de Alfred Hitchcock, el sonido del theremin aparecía cuando los pensamientos obsesivos se adueñaban de la voluntad de John Ballantine (Gregory Peck). Asimismo, en Días sin huella de Billy Wilder, los momentos de embriaguez del alcohólico Don Birnam(Ray Milland) eran subrayados por este instrumento, que adquiere toda su potencialidad sonora y dramática en la escena del delírium tremens.



En la película The Song Remains the Same de Led Zeppelin, se ve a Jimmy Page improvisando efectos de sonido con un rústico theremín de una antena, conectado a efectos de delay, durante la canción Whole Lotta Love.

Casi olvidado durante décadas, en la década de 1990 se benefició de un resurgimiento gracias, entre otros factores, a la producción del documental Theremin, an Electronic Oddysey (1995) y a la producción a mediana escala de theremines de gama media etherwave standard, diseñados en la fábrica de Robert Moog (por entonces la empresa se llamaba Big Briar, luego nuevamente Moog). Dicho modelo, aunque tiene pequeños fallos de diseño y es bastante básico, se sigue fabricando en la actualidad. Debido a su alto precio, han aparecido multitud de imitaciones en todo el mundo, por lo que se puede considerar que ese modelo viene a ser al theremin lo que el modelo Stratocaster de Fender supone para las guitarras eléctricas: un emblema y el diseño de un theremin más popular.

Recientemente el theremin se ha retomado con éxito apabullante en películas como El maquinista, donde es interpretado por Lydia Kavina, virtuosa del instrumento y pariente lejana del propio L.S. Termen (el cual era su tío abuelo y le instruyó en su uso cuando era niña).

El theremin lo han usado grupos e intérpretes famosos como son Pink Floyd, Nine Inch Nails, Skunk Anansie, Los Planetas, DIGITAL 21, Goldfrapp, Jean Michel Jarre, Jon Spencer Blues Explosion, Portishead, Fangoria, La Oreja de Van Gogh, Amaral, Los Delinqüentes, Estopa y Benjamin Biolay. Otros menos conocidos, pero que también hacen uso del theremin, son The Gathering, Spock's Beard, Lendi Vexer, Estirpe, Green Carnation, Aristóbulo del Valle Blues Band, Shibusashirazu Orchestra, Messer Chups, Sunkfool y a Visitante de Calle 13 .

Intérpretes reconocidos internacionalmente

En el pasado las figuras más representativas asociadas al instrumento fueron Clara Rockmore, Samuel Hoffman y Lucie Bigelow Rosen entre otros. Actualmente, un gran número de thereministas buscan seguir el legado de los grandes virtuosos del instrumento, algunos de ellos son: Lydia Kavina, Barbara Buchholz, Carolina Eyck, Ernesto Mendoza, Peter Pringle, Robby Virus y Pamelia Kurstin.
(Clara Rockmore)

(Lucie Bigelow Rosen)

(Samuel Hoffman)


En otro nivel, grupos avant-garde como los holandeses The Gathering, utilizan el theremin combinando el sonido con guitarras eléctricas, para conseguir un sonido distorsionado muy caracteristico.

En el disco Allenrok de Estopa, la banda de Cornellá lo utiliza en una de sus canciones.


Variantes y aplicaciones

El mismo principio físico que permite tocar un theremin se utiliza en la fabricación de sensores ultrafinos que detectan diferencias nanométricas en el relieve de objetos, que se usan para ajustar el pulido de los más grandes y complejos telescopios ópticos.

Diagrama en Bloque Theremin

1920 - El Electrophon, El Staccatone , El Pianorad, Partiturophon, El Kaleidophon, El Ondes-Martenot y OTROS...

El Electrophon (1921)
La gama de instrumentos electrónicos Sphäraphon fue desarrollada en Berlín de 1921 a 1928 por el músico Jörg Mager específicamente para la música microtonal. El instrumento inicial, "el Electrophon", construido con la ayuda de la compañía electrónica Lorenz, era un instrumento basado en el generador heterodyning. El Electrophon estaba controlado por una manija que el músico movía a través de un dial semicircular que creaba un efecto continuo del glissando y no tenía ningún control manual del teclado.

El Staccatone (1923)


El Staccatone fue diseñado por el periodista de radio Hugo Gernsback. El Staccatone utilizaba un determinado número de osciladores LC para producir una nota con agudo, ataque, y decaimiento.
Kurbel-sphäraphon

El Pianorad (1926)


El Pianorad era un desarrollo del Staccatone diseñado otra vez por Gernsback y construido por Clyde Finch en los laboratorios de radio de Nueva York.
El Pianorad tenía 25 osciladores. Cada de los ellos tenía su propio altavoz independiente, montado en un cuerno grande del altavoz encima del teclado y el conjunto entero estaba contenido en una cubierta que se asemejaba a un harmonium. El Pianorad fue presentado el 12 de junio de 1926 en la estación de radio WRNY en New York City; y durante mucho tiempo acompañó conciertos de piano y violín.

El Kurbelsphäraphon era un Electrophon mejorado con filtros que mejoraban el timbre y evitaban el glissando continuo. Tenía dos manijas y un pedal doble de pie para controlar el volumen. El Kurbel-Sphäraphon fue terminado en 1923 y presentado en el festival de Donaueschingen en 1926 donde fue ignorado por todo el mundo. El compositor Georgy Rimsky-Korsakov (nieto del célebre compositor ruso) compuso algunos piezas experimentales para el instrumento.


El Partiturophon
El "Partiturophon" tenía cuatro (en modelos más últimos, cinco) teclados. Este instrumento permitía al intérprete tocar cuatro (o cinco) voces simultáneamente, una voz por teclado.


El Kaleidophon
El "Kaleidophon" fue terminado en 1939 y aunque su historia está bastante indocumentada se describe como "un instrumento monofónico electrónico con mezclas".
Los instrumentos de Mager fueron utilizados principalmente en producciones de teatro en Alemania; no se sabe sin embargo si sobrevivió alguno a la Segunda Guerra Mundial. Lo último que se sabe es que Mager los donó a un pequeño castillo en Darmstad donde él fundó el für Elektro Akustische Musik de Studiengesellschaft.


El dynaphone, inventado por René Bertrand, puede producir vibraciones que cubren la totalidad del registro audible, y además de las notas simples puede producir quintas y octavas. Se pueden controlar y crear timbres; se pueden tocar varios dynamophones a la vez. Entre las primeras composiciones para este instrumento se pueden mencionar las Variations caracyéristiques de Fromaigeat y el ballet Roses en métalde Honegger.




The cellulophone (1927)
Invented by the French engineer Pierre Toulon aided by the electronic engineer Krugg Bass, the Cellulophone ("Cellule Photo-électrique") made it's debut as a prototype in France in 1927. The Cellulophone was an electro-optical tone generator based instrument resembling an electronic organ. The machine had two eight octave keyboards and a foot pedal board. The sound was generated by rotating discs in which a ring of equidistant slits were cut (54 slits for the lowest note), different shaped masks were used for different timbres. The disks masked a light beam that flashed through the slits and on to a photoelectric cell, the speed of the rotating disk determining the frequency of the output signal, provided by a vacuum tube oscillator.

One disk was used for all the notes of each octave therefore notes whose frequencies could not be generated by an integral number were out of tune, this system however gave the unique and unusual possibility of having a different timbres for each octave.

The Cellulophone was one of a generation of instruments in the 1920-30's using a photo-electric sound system, other examples being the "Licht-ton Orgel" , the "Photona" and the "Radio Organ of a Trillion Tones". The increased sophistication and reliability of post war electronic circuitry marked the decline of light based synthesis after the 1940's except for a few pioneers such as Daphne Oram who used a similar sytem not only to synthesise sounds but to sequence sounds.

Pierre Toulon proposed in the 1930's a related technique of speech synthesis using fragments of optical film mounted on a rotating drum.


El Ondes-Martenot (1928)
El Ondes-Martenot, inventado en 1928 por el francés Maurice Martenot, era bastante parecido al Theremin, ya que utilizaba los mismos circuitos básicos para generar el sonido y podía producir ruidos parecidos. Por contra, su extraña apariencia barroca (una especie de clavicordio acoplado a tres armarios) contradecía el hecho de que tocarlo resultase muy fácil. Además del teclado "estilo piano", el Ondes-Martenot contaba igualmente con un controlador de cinta que servía para imitar la forma de tocar el Theremin. Esto último permitía obtener a la vez melodías precisas y barridos de cambios de tono. Los tres armarios eran un altavoz, un resonador de cuerdas (similar al cuerpo de una guitarra acústica) y un resonador tipo gong. Cada una de las unidades imprimía un timbre característico al sonido, que también podía modificarse con los controles incorporados al teclado. En definitiva, el Ondes-Martenot fue un instrumento mucho más versátil que el Theremin, cuya limitación se establecía en un sólo sonido.
.Versión temprana del Ondes-Martenot.

Mientras que el Theremin se escucha con especial preponderancia en las composiciones de música pop y en bandas sonoras de hoy en día, el Ondes-Martenot sigue estando conceptuado como un instrumento orquestal.





The Superpiano: E. Spielmann - Austria – 1928
El Super-piano de Spielman (1927) es otro instrumento de tecla que usa la célula fotoeléctrica. También lo es el Welte photophone (Berlín)


The Sonorous Cross: Nikolay Obukhov - France – 1929
Obukhov, Nikolai (1892-1954)

Compositor ruso. Fue un alumno de Nikolai Tcherepnin y Maksimilian Osseievich Steinberg en el Conservatorio de San Petersburgo. Se instaló en París en 1918 y realizado nuevos estudios con Ravel y otros. Él experimentó con un sistema de 12.notas.


The Hellertion: B.Helberger & P.Lertes - Germany 1929
El hellertion , es un instrumento musical electrónico, basado en el tubo de vacío como el audión piano y el pianorad. Nació en 1929, fruto de la colaboración entre Peter Lertes (ingeniero) y Bruno Helberger (pianista).
La peculiaridad del hellertion fue ser uno de los primeros instrumentos electrónicos que no utilizaba teclado. El intérprete presionaba sobre un fader que, a su vez, presionaba una resistencia. La fuerza con que se presionaba la resistencia, controlaba el volumen de la señal de audio de salida.
El instrumento original tenía sólo un fader, después 4 y finalmente seis alineados en paralelo y se asemejaba a una mesa de mezclas.
La extensión del instrumento llegaba a las cinco octavas.

The Hammond Organ . Laurens Hammond USA.

HAMMOND.

Un órgano Hammond es un instrumento musical basado en los principios del electromagnetismo y de la amplificación a través de altavoces individuales, creado por el inventor estadounidense Laurens Hammond (1895-1973) y cuya producción va desde 1935 hasta 1978. La empresa del inventor de este instrumento no sólo estuvo vinculada a la música, sino que también desarrolló y comericializó otras invenciones, tales como dispositivos de cambio automático para automóviles, relojes de pared, etc.



Como características principales, este órgano presenta un mueble de madera, cerrado o con cuatro patas (modelo B3), de aspecto sobrio con un sistema de 25 (modelo B3) ó 32 (modelo RT3) pedales para los sonidos del bajo. En la cónsola, hay dos teclados de cinco octavas y encima de éstos, hay cuatro juegos de nueve drawbars o barras deslizantes que permiten añadir armónicos (generados mediante ruedas fónicas -Tone Wheels, por su nombre en inglés-) a los sonidos fundamentales del instrumento.
Altavoz "Leslie"

Un Hammond B3 y la caja con el Leslie


Cuenta con un altavoz giratorio acabado en dos trompetas (una de ellas muda) instalado sobre un motor que gira a dos diferentes velocidades: Slow-Fast (Lento-Rápido)/Tremolo-Chorale. Este sistema de amplificación, llamado Leslie, es en gran parte responsable de su característico timbre, pero no fue nunca vendido por Hammond, ya que Leslie y Hammond fueron (durante el período dorado de la marca) empresas totalmente separadas, y rivales puesto que Laurens Hammond nunca fue partidario de la utilización de este tipo de altavoz.



El apogeo del Órgano Hammond tuvo lugar en los años 60 y 70, destacando en diversos géneros musicales, tanto en el jazz, en el rock, como también en el soul, el gospel, el funk, el Ska y la música ligera.

En 1955 surgieron los modelos hoy denominados clásicos tales como B3, C3 y RT3, que expandieron su popularidad, siendo adoptado por músicos, inicialmente pianistas, de la talla de Jimmy Smith, Juan Torres, Wild Bill Davis, Shirley Scott, Jack McDuff, Jimmy McGriff, Lou Bennett, Igor Stepanenko, John Patton, John Medeski, Richard “Groove” Holmes, Bradley Joseph y Georgie Fame en el jazz; y John Evan (miembro de Jethro Tull), Keith Emerson (ELP), Jon Lord (del grupo Deep Purple), Richard Wright (integrante de Pink Floyd), Jesús de la Rosa (de Triana), Tony Banks (teclista de Genesis), Rick Wakeman (integrante de Yes) y Joe Cocker, Carlos Cutaia, tecladista de Pescado Rabioso en el género del rock, entre otros.
(Jimmy Smith)


(Keith Emerson, ELP)

(John Lord, Deep Purple)



(Ray Manzarek, The Doors)

En el año 2002, la empresa japonesa Suzuki adquirió el nombre y desde entonces se llama Hammond-Suzuki. Bajo esta marca, fabrica recreaciones del instrumento original usando sonidos muestreados del órgano modelo B3 original. De todas maneras, estos productos son objeto de competencia por los de otros fabricantes de sintetizadores y teclados como Casio, Roland (serie VK), Korg (series CX y BX), Clavia (series Nord Electro y Nord Stage) y Yamaha. Sin embargo, en la actualidad aún es posible adquirir nuevas versiones digitales del modelo B3; incluso existe la versión de lujo, y la versión portátil.


Actualmente pueden encontrarse, debido a su enorme costo, sobre todo, en Estados Unidos, Francia y Alemania.

Al inventar el órgano eléctrico Laurens Hammond creó un nuevo sector industrial. En 1934 Hammond solicitó su patente sobre su “Packing box prototype” en el registro de patentes en Washington D. C. En un tiempo record, el 2 de Abril de 1934, se le adjudicó la patente. En primer lugar fue presentado el órgano al público el 15 de Abril de 1935 por el organista Pietro Yon en una presentación para la prensa que tuvo lugar en la catedral neoyorquina de St. Patrick’s. Al poco tiempo Henry Ford ya presentó un pedido para seis órganos, pero también George Gershwin se dejó impresionar tanto por el órgano que también encargó uno. Lo mismo sucedió con el presidente americano Dwight D. Eisenhower y Count Basie, que acabó teniendo en su casa un Hammond en vez de un piano. Ingenios como Donald Leslie y John M. Hanert contribuyeron con sus innovaciones a perfeccionar el órgano de manera que el sonido de los Hammonds convierte a estos órganos en inconfundibles.



Hammond se convirtió en el motor de la industria musical electrónica e impuso estándars que hasta hoy han mantenido su validez sirviendo como punto de orientación o incluso meta a conseguir. El sonido típico Hammond ha marcado a la escena musical en las últimas décadas. Desde 1936 este instrumento también fue vendido en Alemania con gran éxito, al contrario que su competidor directo, el órgano de sonido óptico de Edwin Weltes que fracasó totalmente.

El órgano que habla

Hacia los años 50, los músicos Amado Melin, Evaristo Enríquez Zavala, Luis Fernando Zepeda y Ernesto Hill Olvera descubrieron, aparentemente en forma independiente, que moviendo de determinada manera las barras deslizantes del Órgano Hammond, era posible emular los sonidos de las vocales.
Barras deslizantes en un órgano Hammond. Moviendo estas barras de manera adecuada es posible que el órgano "vocalice"

Si a ello sumamos la melodía ejecutada con los teclados, se obtiene el efecto del Órgano que habla (o canta). Sin embargo, fueron Zepeda y Hill Olvera quienes explotaron comercialmente este hallazgo, a través de sus actuaciones personales, eventuales apariciones en el cine mexicano y los dos discos que grabó en toda su trayectoria, en el caso del último de los nombrados. Esta técnica no fue popularizada, pese a que Hill Olvera difundió el secreto de la misma, debido a razones tales como que la manipulación constante de las barras podía desgastarlas rápidamente o bien, porque formar las vocales mientras se ejecuta la melodía, le quita velocidad al organista y dificulta la labor de hacer arreglos para los instrumentos acompañantes. De hecho, en la actualidad, solo los músicos que poseen equipos Hammond y equipos similares provistos de estas barras, pueden ejecutar esta técnica ya que los teclados electrónicos de hoy en día carecen de ellas, y son compatibles únicamente con la norma MIDI.